São Paulo é referência global em arte urbana. Mas, com tantos murais espalhados, por onde começar?

A obra nasce de uma reflexão crítica sobre a relação entre consumo, meio ambiente e responsabilidade corporativa. Ao transformar uma empena urbana em plataforma de denúncia, Mundano reforça uma das marcas centrais de sua trajetória: o artivismo como ferramenta de conscientização pública. A intervenção funciona como um chamado visual à urgência ecológica, confrontando o espectador com os impactos da destruição ambiental e com a necessidade de cumprimento de compromissos ligados à preservação das florestas. A figura central da composição é a líder indígena Alessandra Korap Munduruku, símbolo de resistência, proteção territorial e luta pelos povos originários. Sua presença amplia o sentido político da obra, deslocando a questão ambiental para além da paisagem natural e evidenciando os corpos, comunidades e modos de vida diretamente afetados pela devastação. A frase “Stop the Destruction — Keep Your Promises” reforça o caráter de cobrança pública da intervenção, dirigida especialmente às grandes cadeias produtivas ligadas ao consumo urbano. O processo criativo carrega um dos aspectos mais marcantes da poética de Mundano: o uso de pigmentos residuais, chamados pelo artista de “provas do crime”. Em vez de tintas convencionais, a obra utiliza cinzas de queimadas coletadas em biomas brasileiros, como Amazônia, Cerrado, Pantanal e Mata Atlântica, além de lama proveniente das enchentes de 2024 no Rio Grande do Sul. Dessa forma, a catástrofe ambiental deixa de ser apenas tema e passa a integrar materialmente a própria pintura, tornando-se presença física na superfície da cidade. A paleta de tons terrosos, cinzas e marrons intensifica a atmosfera de denúncia e aproxima a obra da matéria que a constitui. A escolha cromática não busca apenas impacto visual, mas também coerência simbólica: cada cor carrega vestígios de destruição, memória e resistência. Tecnicamente, o mural combina escala monumental, realismo social e forte presença gráfica, criando uma imagem de leitura imediata para quem transita pela região. A intervenção está localizada na Avenida Brigadeiro Luís Antônio, 2013, na Bela Vista, em São Paulo, em uma empena lateral voltada para o estacionamento do supermercado Pão de Açúcar. A escolha do local amplia o sentido da obra ao inserir a mensagem em uma área de circulação intensa e próxima a espaços de consumo. Ao ocupar esse ponto estratégico da cidade, Mundano aproxima o cotidiano urbano das consequências ambientais muitas vezes invisibilizadas, fazendo com que o público reconheça a conexão entre o produto na prateleira, as cadeias produtivas e a preservação dos territórios naturais.

O projeto é uma homenagem ao pioneiro da arte urbana e do graffiti em São Paulo, Alex Vallauri (1949-1987), mentor com quem o artista aprendeu que a arte é para todos. A proposta busca trazer de volta a personagem emblemática “A Rainha do Frango Assado”, que foi um grande sucesso na instalação feita por Vallauri para a 15ª Bienal Internacional de São Paulo. Recriar essa figura em grande formato é uma forma de reavivar a história do graffiti na cidade e manter viva a lembrança de um artista genial, celebrando o legado de quem iniciou suas intervenções nos muros paulistanos ainda em 1978.

A personagem homenageada, uma mulher mestiça de corpo voluptuoso e provocativa, nasceu do imaginário de Alex Vallauri, inspirada nas mulheres e travestis que habitavam as noites do Porto de Santos. A figura evoluiu a partir de elementos isolados — uma bota preta de salto agulha, um sutiã, uma luva e o rosto com óculos gatinho — até ganhar o corpo com colante de oncinha que define sua persona suburbana e consumista. O convite para esta intervenção partiu do curador José Carratü, integrando a edição do MAR 2021 (Museu de Arte de Rua), um projeto realizado pela Prefeitura de São Paulo em parceria com as secretarias municipais de Cultura, Subprefeituras e Educação.

A obra está localizada na esquina da Praça Princesa Isabel com a Avenida Duque de Caxias, no bairro de Campos Elíseos, centro de São Paulo. Situar esta homenagem em uma região tão central reforça o propósito de democratização da arte, devolvendo ao espaço público uma das imagens mais icônicas da história da arte urbana brasileira no local onde ela se faz mais presente: a rua.

Marca registrada do artista, o personagem Yoko é um macaco urbano que transita pela “selva de pedra” em diversos tamanhos e técnicas. Através dele, o artista busca provocar reflexões sobre temas essenciais da vida urbana, utilizando a figura do animal como um observador atento em meio ao cenário metropolitano.

O processo criativo desta intervenção carrega um significado especial por ter sido concebido dentro de uma cooperativa de reciclagem. O personagem é retratado fazendo malabarismo com produtos recicláveis, criando um movimento de circularidade que remete diretamente ao ciclo de reaproveitamento dos materiais. Com uma expressão tranquila que demonstra controle sobre a situação, a obra materializa a máxima de que “nada se ganha, nada se perde, tudo se transforma”. Tecnicamente, o personagem foi executado em mosaico, utilizando restos de azulejos encontrados nas proximidades, o que reforça o poder da transformação de resíduos e serve como uma metáfora para o próprio ser humano: somos feitos de pequenos pedaços, memórias, lembranças e cicatrizes que nos compõem enquanto indivíduos; assim como no mosaico, são esses pequenos elementos que formam o todo e nos tornam mais fortes.

A obra está localizada no Viaduto Mofarrej, em São Paulo. A decisão de conceber a intervenção neste local, junto à cooperativa, conecta a arte diretamente ao seu propósito temático de sustentabilidade. Ao utilizar o descarte como matéria-prima para a criação, o artista transforma o viaduto em um ponto de destaque que celebra a reconstrução das identidades através de elementos que, juntos, ganham nova potência no espaço público.

A obra utiliza a premissa de transformar os muros de São Paulo em páginas, convertendo a arquitetura fria da cidade em suporte para reflexão poética e política. Através do verso extraído do poema “A Grande Boca de Pedra”, o artista expõe as asperezas e dificuldades impostas pela metrópole, especialmente às parcelas mais vulneráveis da sociedade. Esse posicionamento é reafirmado pelo manifesto autoral “ARTE SUJA”, que define a natureza marginal e livre desta produção:

“minha arte é suja demais / para as polidas galerias / contemporâneas e elitizadas (…) / minha arte é rude demais / para a classe artística vitrine / que berra “democracia” / com o ego sofisticado / minha arte é fome demais / para os abacaxis apodrecidos / servidos nos seus manjares / de oferendas indignas (…) / Minha arte é livre demais / de todas as suas críticas / e dos tendenciosos motivos / dos seus interesses capitais”

A intervenção materializa-se através da técnica do lambe-lambe, produzida com 25 folhas de papel A4 ladrilhadas e fixadas com cola branca. Essa escolha técnica dialoga com a urgência da mensagem e a estética crua das ruas. A simplicidade dos materiais é uma decisão deliberada para manter a integridade de uma arte que se recusa a ser “vitrine”, optando por suportes que refletem a verdade das calçadas e o distanciamento dos interesses institucionais.

O pôster foi colado em um túnel na região central de São Paulo, posicionado estrategicamente ao lado de abrigos improvisados de pessoas em situação de rua. Essa localização não é apenas geográfica, mas simbólica: ao situar a mensagem em meio aos pertences de quem habita as margens, a obra ganha sua dimensão máxima, materializando visualmente a ideia de uma cidade que, literalmente, “mastiga” gente.

A obra explora a jornada do autoconhecimento e da autocompaixão, funcionando como um contraponto à intensidade do centro de São Paulo. A figura feminina de olhos fechados simboliza a introspecção, enquanto sua imagem refletida e apoiada no próprio colo representa o acolhimento emocional e a capacidade de sermos nosso próprio abrigo. Complementando a narrativa, a flor que atravessa a composição simboliza o florescimento interno que surge através do amor-próprio, conectando natureza, feminilidade e espiritualidade.

A identidade visual é marcada pelo uso de cores vibrantes e formas orgânicas, elementos fundamentais para criar energia e presença em meio ao cinza da arquitetura urbana. A escolha dessa paleta saturada, característica da linguagem do artista, busca o contraste máximo com o entorno para garantir que o mural atue como um convite à pausa sensível. A composição fluida foi pensada para dialogar com a escala vertical do edifício, permitindo uma visualização clara tanto para quem atravessa a Ponte da Praça da Bandeira quanto para quem circula pela Avenida 23 de Maio.

Situado na lateral do Edifício Maria Magdalena, na Praça da Bandeira, o mural foi realizado em janeiro de 2025 através do projeto Museu de Arte de Rua (MAR). A execução, que levou cerca de 10 dias, transformou um ponto de fluxo intenso em um espaço de contemplação. Localizada em um dos eixos mais movimentados da cidade, a intervenção cumpre seu papel de “refúgio”, oferecendo um momento de silêncio visual e conexão interior para as milhares de pessoas que transitam diariamente pela região central.

A obra nasce de uma observação social sobre a infância e os códigos visuais em diferentes territórios brasileiros. Ao retratar meninos comuns, o artista destaca o hábito de posar para fotos com sinais de mãos — um gesto cotidiano que, no cenário atual do Nordeste, adquiriu uma complexidade perigosa. O painel evidencia essa sutil diferença cultural e a dura realidade das retaliações por facções criminosas, que transformam um aceno infantil em um risco de vida, algo que já instrui crianças da região a evitarem tais gestos.

A composição utiliza uma paleta de cores frias e tons terrosos para contrastar com o fundo laranja vibrante, garantindo profundidade à cena. A presença do cão simboliza o companheirismo e a pureza de quem permanece alheio a essas “regras” sociais invisíveis. Para a execução, o artista optou por traços firmes, simples e objetivos, uma escolha técnica pensada para a visualização dinâmica de quem transita em velocidade pelo local.

A intervenção está situada no Túnel Noite Ilustrada, um espaço emblemático na trajetória do artista, que pintou no local originalmente em 2016. Em 2025, o painel foi renovado através de um projeto de revitalização do túnel, reafirmando a presença do artista em um dos eixos fundamentais da arte urbana de São Paulo e consolidando o diálogo contínuo entre sua obra e a cidade.

A obra faz parte de um projeto pessoal de pesquisa linguística, onde o artista escolhe palavras com significado e impacto pessoal para transformá-las em graffiti. “Masta” foi a palavra selecionada para esta intervenção.

A escolha da paleta baseou-se na teoria das cores complementares. O artista utilizou o amarelo para contrastar com o fundo roxo da parede, garantindo que a palavra ganhasse destaque e legibilidade máxima.

Localizada no ‘Barro Bronx’, em Cidade Tiradentes, a intervenção ocupa o quintal da OTM Crew. Além de ser o bairro onde o artista cresceu, o local é um dos berços do graffiti em São Paulo, funcionando como um espaço de liberdade e criação onde a crew se sente, literalmente, em casa.